Sobre los artistas:

 

Nicolas Bourriaud

 

Nacío en 1965, es el Director de la Ecole Nationale des Beaux-Arts de París desde diciembre de 2011. Antes de dirigirse al departamento de estudios en el ministerio de la cultura en Francia, fue Curador Gulbenkian para el arte contemporáneo en la Tate Britain de Londres ( 2007/2010) y asesor de la Fundación Victor Pinchuk en Kiev. También fundó y codirigió el Palais de Tokyo, París, entre 1999 y 2006. Como curador, recientemente organizó «Estratos» en Murcia (2008), «Altermodern» en la Tate Britain, Londres (2009) y «La gran aceleración» (Bienal de Taipei 2014). Ha publicado varios ensayos teóricos, incluyendo «La estética relacional» (1998), «Postproducción» (2002) y «radicando» (2009).

 

 

 

PETER BUGGENHOUT (Bélgica, 1963)

 

Las esculturas sin pulir evocan imágenes de caos y desorden, de ruinas abandonadas y hallazgos arqueológicos de otra época. Su obra, en la que se centra en el uso de materiales como los desechos, residuos industriales, pelo de caballo, sangre, intestinos y el polvo de la casa, contiene dos enormes instalaciones y obras menores que se presentan a menudo en pedestales o vitrinas. Lo que parece ser una acumulación relativamente aleatoria de material, es en realidad un caos cuidadosamente orquestado. Anónimo e indeterminado. Las esculturas parecen estar vueltas al revés; prima y desmantelado, repulsiva y atractiva, teniendo una belleza frágil e incómoda.

Las esculturas de Peter Buggenhout han sido objeto de numerosas exposiciones en las principales instituciones en todo el mundo, tales como; Palais de Tokio, París, Maison Rouge, París, MoMA / PS1, Nueva York, Gladstone Gallery, Nueva York, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, Hamburger Bahnhof, Berlín, Deichtorhallen, Hamburgo, Fundación David Roberts, Londres, MONA, Hobart - Tasmania, de Pont Museo, Tilburg, M Museo, Lovaina y varios otros.

 

CARSTEN HÖLLER (Bélgica, 1961)

 

Höller llegó a la fama en la década de 1990 junto a un grupo de artistas que incluyen a Maurizio Cattelan, Douglas Gordon, Pierre Huyghe, Philippe Parreno, Rirkrit Tiravanija, y Andrea Zittel que trabajaron en todas las disciplinas para re-imaginar la experiencia y el espacio del arte. En su trabajo, crea situaciones que ponen en duda las formas familiares de la percepción y permiten a los visitantes de la exposición experimentar en sí mismos, a menudo invitando a la participación activa del público en los llamados "entornos influyentes". En su forma, las obras de Höller son en ocasiones recuerda a los arreglos de laboratorio científico, lo que permite al espectador a convertirse en el sujeto de un experimento. Su trabajo desde principios de 1990 ha abarcado edificios, vehículos, toboganes, juguetes, juegos, narcóticos, animales, performances, conferencias, películas 3D, luces, espejos, lentes y tanques de privación sensorial intermitentes.

 

 

 

MARLIE MUL (Holanda, 1980)

 

Las esculturas de Murlie Mul a menudo simulan objetos cotidianos al aire libre que se refieren a la interacción humana, tales como salidas de aire utilizadas como ceniceros, charcos de lluvia arenosas llenas de trozos de basura, colillas de cigarrillos que representa restos de los comportamientos humanos, las situaciones presentes en estos trabajos sugieren al espectador una presencia insensible de una población virtual o multitud.

 

Philippe Parreno (Argelia, 1964)

 

Es un artista francés que vive y trabaja en París, Francia. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Grenoble desde 1983 hasta 1988 y en el Instituto de Altos Estudios en artes Plásticas, París desde 1988 hasta 1989. Un artista clave de su generación, Philippe Parreno ha ganado elogios de la crítica por su trabajo que abarca una diversidad de medios, incluyendo el cine, escultura, dibujo y texto. Tomando la exposición como medio, Parreno redefine radicalmente la experiencia de la exposición mediante la exploración de sus posibilidades como un "objeto" coherente y no como una colección de obras individuales. Con este fin, concibe sus espectáculos como un espacio donde se desarrolla con guion de una serie de eventos. El visitante es guiado a través del espacio determinado por la orquestación de sonido e imagen, lo que aumenta su experiencia sensorial. Esta es una cuestión de crear, en un volumen dado, como mucho espacio y el tiempo como sea posible mediante el plegado y desplegado el espacio sobre sí mismo.

 

 

 

Laure Prouvost (Francia, 1978)

 

Prouvost nació en Croix, un suburbio de Francia, y asistió a una escuela local, con especial atención a las artes fuertes. Estudió cine en el Central Saint Martins y también asistió a Goldsmiths, Universidad de Londres. Después de graduarse de Saint Martins, trabajó como asistente de la artista John Latham, que ella describe como "más como un abuelo que mi verdadero abuelo". Ha expuesto en la Tate Gran Bretaña y el Instituto de Arte Contemporáneo. Ella fue galardonada con el Premio de Arte MaxMara bienal para las mujeres en 2011 en colaboración con la Galería Whitechapel y su trabajo ha aparecido en la colección privada de arte contemporáneo Collezione Maramotti en Reggio Emilia, Italia. El trabajo de Prouvost combina la instalación, collage y el cine.

Prouvost fue el ganadora del premio principal en el 57 Festival de Cine de Oberhausen. En 2014, puso en escena su primera exposición individual en un museo en los Estados Unidos en el New Museum.

 

Pamela Rosenkranz (Suiza, 1979)

 

El trabajo de Pamela Rosenkranz apunta a los centros vacíos de la historia, la política y la cultura contemporánea en su conjunto. Se ocupa de los significados filosóficos y científicos cambiantes de la "natural" y el "humano" durante el Antropoceno (la época geológica marcada por el impacto de las actividades humanas sobre el ecosistema). Rosenkranz despliega una paleta de iconos de botellas de agua de polietileno patentados, refrescos, pintura de látex de Ralph Lauren, JPEG de International Klein Blue, papel fotográfico Ilford, y zapatillas de deporte de ASICS aumentadas por el silicón de carne de tono y pintura acrílica. Su insistencia en la "naturalidad" de estos materiales aparentemente no naturales se basa en el hecho de que se hayan producido todo por la actividad humana.

La domesticación y cosificación de las entidades que se producen orgánicamente en el capitalismo contemporáneo se evoca a través de consignas corporativas: Fiji "tocado por el hombre;" de Evian "El cuerpo de agua más importante es la suya;" de ASICS anima sana in corpore sano. Rosenkranz ve botellas de agua como pequeños cuerpos de la naturaleza, comercializado como un producto de salud y belleza que limpia el cuerpo humano desde el interior hacia fuera.

 

Bosco Sodi (México, 1970)

 

Nacido en la ciudad de México en 1970, Sodi ha vivido en París, Barcelona y Berlín antes de instalarse en Nueva York. Trabaja en Berlín, Barcelona, México y Nueva York. Sodi crea obras que exploran las áreas en las que la naturaleza y la humanidad se combinan y buscan la belleza implícita en la destrucción. En sus piezas impera un elevado sentido de espiritualidad a través de lo material, mientras que trascienden sus mismas propiedades materiales. Como las materias primas varían de lugar a lugar, cada una de las pinturas de Bosco Sodi está conectada de forma única al lugar en la que fue creada.

 

Pascale Marthine Tayou (Camerún, 1967)

 

Desde el comienzo de la década de 1990 y su participación en la Documenta 11 (2002) en Kassel y en la Bienal de Venecia (2005 y 2009) Pascale Marthine Tayou ha sido conocido por un amplio público internacional.

Su obra se caracteriza por su variabilidad, ya que se limita en su trabajo artístico ni a un medio ni a un conjunto particular de problemas. Aunque sus temas pueden ser diferentes, todos ellos utilizan al mismo artista  como su punto de partida. Ya desde el principio de su carrera, Pascale Marthine Tayou añadió una "e" a su primer y segundo nombre para darles una terminación femenina, distanciándose así mismo, irónicamente, de la importancia de la autoría artística y macho / hembra adscripciones.

Esto es válido para cualquier reducción a un origen geográfico o cultural específica también. Sus obras no sólo median en este sentido entre las culturas, o establecer el hombre y la naturaleza en las relaciones ambivalentes entre sí, sino que se producen en el conocimiento de que son sociales, culturales, políticos o construcciones. Su obra es deliberadamente móvil, difícil de alcanzar de esquema preestablecido, heterogénea. Está siempre estrechamente ligada a la idea del viaje y de entrar en contacto con lo que es otra de uno mismo, y es tan espontánea, que casi parece casual. Los objetos, esculturas, instalaciones, dibujos y videos producidos por Tayou tienen una característica recurrente en común: se espacian en un individuo se mueve a través del mundo y explorar la cuestión de la aldea global.

 

 


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